Snowpiercer, 2013

Miguel Delgado

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Si hay una cinematografía a destacar en esta nueva década, sin duda esa es la surcoreana, por lo menos desde un punto de vista personal. El nuevo cine de Corea del Sur, famoso por sus soberbios thrillers, ha dado destacadas películas y autores a tener muy en cuenta. Uno de estos es el gran Bong Joon-ho, un hombre que se ha ganado a pulso el prestigio del que ha día de hoy goza. Debuto con la curiosa e interesante Barking Dogs Never Bite, para dar un salto de calidad enorme con la maravillosa Memories of Murder. Y de ahí al cielo: se coronó con The Host (aunque muchos en occidente no han sabido apreciarla), y volvió a la intriga con Mother. Tres obras soberbias a las que ahora sumar otra más: Snowpiercer (Rompenieves), que a pesar de haber sido rodada en inglés sigue tratándose de una producción surcoreana, basada en un cómic francés. Por suerte esté mayor despliegue de medios y ambiciones no se ha traducido en una decepción mayor.

En el futuro, la tierra se ha congelado y los pocos humanos supervivientes viven en un moderno y ultraequipado tres, en el que según los vagones, los pasajeros se dividen en clases sociales. La primera labor de Joon-ho, meter al espectador en situación, lo consigue a la perfección. Esa sensación de agobio, tanto física por lo angosto del lugar, así como psicológicamente. El tren contiene los últimos retazos de un mundo sin vida, y ese fatídico sentimiento sobrevuela con inteligencia la obra. A esto también ayudan un perfecto diseño de producción al que no se le puede encontrar ni una falla y a unos efectos visuales que cumplen igual de bien. La producción más cara del cine surcoreano lo luce de sobra.

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A esto sumar unos números de acción perfectamente orquestados, sobre todo el del vagón del agua. Una escena larga y realizaba con una pericia asombrosa. Cierto que hay alguna concesión excesiva (sobre todo en lo referente a uno de los villanos excesivamente duro), que resultan el cabo más suelto de la película. Pero no la enturbia prácticamente en lo más mínimo. Y eso sin contar con los momentos épicos que ponen los pelos de punta y dan ganas de aplaudir con rabia. Pero que nadie se piense que la carga social tan obligatoria queda reducida y simplificada, ya que es esto lo que de verdad gobierna la película. Es esa lucha de clases, y en mayor medida, la condición de la raza humana, nuestra manera de ser, la que hace avanzar al relato, siempre se encuentra presente, y es de agradecer. No es una superproducción blandita ni rebajada. Es muy difícil de ver, con momentos durísimos. Las conclusiones a las que uno puede llegar cuando termina el film son arrolladoras.

Otro punto fuerte es el reparto, formado por conocidos actores angloparlantes casi en su mayoría. El protagonista lo interpreta Chris Evans con  una portentosa actuación, que sorprende. En otras películas, como su Steve Rodgers en el Universo Cinemático de Marvel o su papel en Sunshine, se le habían visto maneras, aunque nunca a este nivel. El nivel dramático que aguanta Evans es enorme, y lo lleva con soltura, siempre creíble y emocionante. Entre los secundarios que le acompañan se encuentran unos cumplidores Octavia Spencer y Jaime Bell, con muy buenas maneras, y los veteranos John Hurt y Ed Harris, dos perros viejos que se las saben todas. De entre los demás destacar el pérfido y caricaturesco personaje de una superlativa y aborrecible Tilda Swinton, y el actor fetiche del director, Song Kang-ho, para un servidor uno de los mejores actores del mundo en la actualidad, que aquí realiza un papel de vital importancia aunque no requiera tampoco desplegar tantas virtudes actorales.

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En definitiva, una grandísima película, que continua la carrera impecable de Bong Joon-ho. A la primera entra genial, pero a la segunda se reafirma y se descubren detalles interesantísimos, y ese pequeño bajón al final que suponía un exceso de información desaparece. A destacar también la genial banda sonora compuesta por Marco Beltrami, la mejor del compositor en los últimos años. Una pena que no vaya a estrenarse en demasiados cines, y no vaya a tener el éxito que se merece.

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OH BOY, 2012

Miguel Delgado

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El cine alemán últimamente ha dado muy buenas películas, revelándose como una importante cinematografía a tener en cuenta. Títulos como Good Bye Lenin! O La vida de los otros no solo son grandísimas películas, sino que además consiguieron reconocimiento en forma de numerosos premios, siendo además de esas películas que le gustan a todo el mundo. La última de estas propuestas del cine alemán actual es Oh Boy, la opera prima de Jan Ole Gerster. Aunque bien es cierto que el éxito de esta película no es comparable al de las anteriores nombradas, ganó en los premios del cine alemán en las categorías más importantes, y se coló en mejor película en los premios del  cine europeo. Y la verdad es que se merece los elogios pues es un film digno de admiración.

Niko es un joven de clase media-alta como millones hay en el mundo. Va dando tumbos sin saber que será de él, mientras intenta seguir adelante. Así, un día como otro cualquiera se empieza a convertir en una locura en la que nada le saldrá bien, mientras el solo busca un mísero café… Este punto de partida ya define el tono del filme, en el que las pinceladas cómicas se entremezclan perfectamente con el drama de la vida de Niko. No busca la carcajada fácil ni el chiste en todo momento, si no que el humor se produce debido muchas veces al patetismo al que nos vamos induciendo.  Aunque también tiene momentos en los que no todo es reírse de sí misma, sobre todo en un tramo final cargado de melancolía, en el que el espacio para el elemento cómico desaparece, aunque la progresión nunca resulta forzada.

Ole Gerster, autor del guión también, nunca carga las tintas más de la cuenta, y mantiene el relato siempre del lado del realismo. No estamos ante una descenso a los infiernos excesivo y alocado, si no que todo se enmarca en situaciones que el espectador puede entender y empatizar con ellas. No es como, por ejemplo, Cosmopolis, el último trabajo de David Cronenberg que  tiene ese argumento de encuentros en un día, que acababa desquiciándose en exceso. Consideremos entonces esto otro acierto de la cinta y algo que seguramente haga que, en mayor o menor medida, todo el que se acerque a está Oh Boy salga con una sonrisa en la cara.

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En el plano visual, lo primero que resalta por razones obvias es el uso del blanco y negro. La comparación con la Nouvelle Vague no es baladí, y más con esa Berlín tan parisina que nos presenta Ole Gerster. Tal vez haya quien desprecie su interesante forma visual por su fondo más “convencional” (comparado con Godard y demás), pero sería un error pues tampoco pretende imitar a nadie. También resulta interesante como ese blanco y negro tan estético (ese hermoso plano final) la emparenta con las primeras películas en los 60 y 70 de directores como Martin Scorsese o Woody Allen, maestros con toda seguirdad de este director alemán y que pasean entre los fotogramas como fantasmales y elegantes influencias.

El protagonista absoluto es Tom Schilling, actor de jovencísima apariencia que sin embargo ya lleva más de una década paseándose por las pantallas germanas. Resulta de lo más fácil empatizar con el y por eso resulta una opción acertadísima, creando además un personaje hastiado y perdido, pero no demasiado gris u obtuso. Hay que estar atento a la carrera de esté chico que seguro que despega y no sería raro acabar viéndole en Hollywood (este año estrena Suite Francaise, una de esas películas que ya suenan como posibles para los oscars del año que viene). Del resto del competente reparto destaca sin duda Michael Gwisdek, que con un brevísimo papel ha conseguido numerosas alabanzas, y de hecho se llevo el premio al mejor actor secundario en los premios del cine alemán.

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No es probable que se estrene en demasiadas salas y que tenga una gran repercusión, y es una pena, porque es una estupenda cinta que además tiene la capacidad de gustar a mucha gente. No es una película que vaya a descubrir nada en el mundo del cine, pero se disfruta con ganas y el trabajo en todos los aspectos es notable. Así que es una más que buena elección para gastarse el dinero en el cine. No tenéis excusa si la ponen en vuestra ciudad.

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HER, 2013

Miguel Delgado

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Una nueva película de Spike Jonze debería ser un acontecimiento en el mundo cinematográfico. Sin duda es admirado por muchísima gente, aunque no falta quien piense que parte del mérito de sus dos primeras películas se debía al guionista Charlie Kaufman, y/o quien considere su obra superficial, moderna y videoclipera, un error facilón debido a su procedencia de ese mundillo, al que de vez en cuando regresa. La realidad es que tiene tres películas más que estimables, las surrealistas Como ser John Malcovich y Adaptation, o ese oscuro cuento infantil que fue Cuando viven los monstruos, cinta a reivindicar. Y ahora vuelve con su nueva obra, que tenía una pinta increíble desde el tráiler y que contaba con una fiera de la interpretación como es Joaquin Phoenix en el papel protagonista. No siempre estos factores dan pie a una gran película, pero en este caso lo que nos ofrece Her es aún más.

Hay ciertas películas que sobre pasan el nivel de lo que se considera popularmente una obra maestra, o si este término se considera excesivo, una grandísima película que se coloca como una de las mejores del año. Estas suelen tocarte de una manera especial en el interior, tanto por lo que cuentan como por el estilo artístico que destilan. Considero que es fácil que ocurra con El atlas de las nubes, cinta que nos llegó hace un año justo y que por sus múltiples temáticas, así como por su estilo visual al servicio de lo que cuenta, consiguen significar algo más para el espectador.  Cada cual tendrá en su filmografía personal obras particulares que guarde y atesore en su corazón, y sin duda alguna, Her va a ser una película que va a conseguir introducirse en las venas de muchos cinéfilos que la recordaran, y no solo como la mejor película de 2013, algo que es sin ningún tipo de duda.

Esta historia de amor entre un hombre y su sistema operativo (no conviene saber más) se sitúa en un futuro, que se antoja cercano, tanto por lo que muestra como por las situaciones que nos enseña e insinúa. En ese aspecto aclarar que, por lo menos de manera personal, me sorprendió encontrar un relato más apegado a la ciencia ficción de lo que esperaba. Esto no es sino otra sorpresa y otro aspecto positivo que sumar a la cinta, pues este género siempre ha servido como metáfora o profetización sobre la humanidad y el camino que seguirá en el futuro. Y es que Her no es solo una bizarra historia de amor. Viendo Her, es fácil reconocer en ella a esta sociedad que se relaciona de manera prominente por maquinas y redes sociales de toda índole, formada por individuos en muchas ocasiones no dudan en establecer relaciones sentimentales a distancia con una constante comunicación mediantes whatsapp o similares…

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Ese es lo que hace especial a la película, esa práctica identificación con numerosos aspectos que puede hacer casi cualquier persona, aunque sea en detalles tales como esos videojuegos tan histriónicos como posibles dentro de muy poco. A esto ayuda un cuidado diseño de personajes, que resultan de lo más realistas en su personalidad y su forma de relacionarse con los demás. Así tenemos a Theodore. Difícilmente pueda decir ahora alguna otro personaje en la historia del cine con el que yo personalmente me haya sentido tan identificado al momento del visionado de la película, y no con sorpresa veo que mucha gente, de todos los géneros, también lo hace. Así el protagonista funciona como una persona de verdad (es un hombre de una gran normalidad, dentro de todo lo normal que se puede ser en este mundo), y también como un reflejo de esta sociedad en la que la manera de acercarnos los unos a los otros se hace mediantes conexiones informáticas. Ahí está como ejemplo el curioso empleo que desempeña el protagonista.

Por eso resulta creer fácil que este personaje, un impecable, magnífico, y encantador en sus imperfecciones Joaquin Phoenix (probablemente este en el top 5 de los mejores actores del mundo en la actualidad), inicie una relación con esa voz informe que no es otra que la de Scarlett Johansson, demostrando que puede ser una magnífica actriz con un trabajo espectacular, deplegando un amplísimo rango de emociones con la voz, algo de un merito impresionante. Muchos actores muestran menos sentimientos con su presencia completa en pantalla. Y es que, ¿Acaso no resulta muchas veces más fácil hablar por el móvil?, es a lo que nos estamos acostumbrando y no es algo que sea criticable, es el camino que marca la evolución de la tecnología. Por eso resulta realista la manera de tratar el tema por Jonze, como algo probable y como tal muestra las reacciones de sus conocidos y amigos, contrastadas en ese grupo formado por actores como Amy Adams, Chris Pratt o Rooney Mara en papeles secundarios en los que cumplen sin tacha.

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Y para colmo todo esto ayudado de un diseño de producción impecable, de cuidadas formas y colores, tangible como ya hemos dicho. La dirección de Jonze, sin grandes aspavientos, consigue momentos de una hermosura tremenda, y acierta dejando muchas veces que sea la cara de Phoenix y la voz de Johansson las que marquen las pautas. Demuestra que es un director hábil y moderno sin tener que tirar de montaje frenético y movimientos de video musical. La fotografía va por ese misma línea, y consigue una imagen hermosa de colores suaves sin necesidad de parecer haber sido pasada por los filtros de Instragram, algo común en ciertas cintas “indie” de hoy en día. Y para terminar vale la pena pararse un momento a hablar de la brillante música que ha compuesto el grupo Arcade Fire. Jonze ya habían colaborado en un corto para su penúltimo disco, “The Suburbs”, y ahora realizan una banda sonora (con la ayuda de su colaborador habitual a la hora de realizar los arreglos orquestales Owen Pallett) que sabe leer las imágenes a la perfección, que se muestra cuando debe e incluso tiene una importancia vital dentro de la propia historia (esas dos preciosas piezas de piano…), y que se remata con “The Moon Song” canción compuesta por el propio Jonze y la cantante de los Yeah Yeah Yeahs Karen O, que realizó la bso de Donde viven los monstruos. Es de una simpleza tremenda, y aún así consigue llegar al interior.

Cinco nominaciones a los oscar la avalan,muy pocas son,  y es incomprensible que no cuente con opciones para ganar mejor película. Muchos la han visto por internet debido a la filtración del dvdscreen distribuido para los premios. Ahora que se estrena en nuestro país es el momento de pagar por ella, puesto que la película lo merece. Spike Jonze consigue una cinta hermosa, de una gran empatía, que no solo se conforma con contarnos una más que estimable una historia de amor con gran maestría, si no que habla del ser humano, como individuo y como parte de una sociedad, habla de la evolución de la tecnología y de cómo nos relacionamos con ella. Habla de todos y cada uno de nosotros, Ahí esta la grandeza. Es prácticamente imposible no derramar las lagrimas, no porque nos dé mucha pena, si no porque nos vemos a nosotros mismos en nuestras imágenes, lo que hemos sido, lo que somos y lo que podemos ser. Y así es como se hacen las obras maestras.

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NEBRASKA, 2013

Miguel Delgado

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Hace un par de años, tuve la oportunidad de empezar en todo esto de pases. No diré más porque no viene a cuento, solo decir que aquella primera vez fue con Los descendientes, la penúltima película de Alexander Payne. Admiro a Payne desde A propósito de Schmitd, magnífica película con un esplendido Jack Nicholson, y no se quedó atrás con la muy estimada, y con razón, Entre copas. Esta película dio el pistoletazo a su presencia en los premios, que corroboró la película con George Clooney (aquí podéis leer mi crítica, que espero haya sido ampliamente superada por otras), y ahora se confirma de manera definitiva con su nueva película, que desembarca ahora en  nuestras tierras, una de las favoritas a los premios desde su presentación en Cannes donde gano el mejor actor. Y es una pena que Nebraska, no este finalmente, entre las principales candidatas a llevarse el premio. Es más, seguramente se vaya de vacío, cuando es una de las tres mejores película nominadas en el principal apartado.

Nebraska presenta los rasgos típicos del director, historias de personajes corrientes que por motivos diferentes se encuentran en un viaje (casi todas sus películas terminan teniendo mucho de road movies). También está presente el sentido del humor del que siempre ha hecho gala, en mayor o menor medida, con algunas escenas verdaderamente inspiradas en ese sentido. Sin embargo, la historia de este padre e hijo, que deciden viajar hasta el estado que da nombre a la película para recoger un premio que con seguridad no existe, presenta también unos rasgos de estilo más maduros y definidos. La decisión de usar el blanco y negro, ya no solo ayuda creando una imagen estéticamente más hermosa, con una fotografía esplendida, sino que también tiene una función metafórica con respecto al relato: Esa mirada sincera y desprovista de sensacionalismos sobre la vejez, esos parajes recorridos de tierra yerma habitados por gente aburrida. El manejo de la cámara por parte del director se muestra también más experimentado, con un acierto pleno en como contar esta historia.

Esto no quita que Payne siga siendo el maestro en el apartado que mejor se le da, la dirección de actores. Siempre ha sacado actuaciones increíbles de todo aquel que ha trabajado a sus órdenes, y en esta película de nuevo alcanza otro nivel. Sin estrellas de primer nivel, el peso recae sobre los hombros de Bruce Dern y Will Forte. Dern ha sido premiado y nominado en casi todos los eventos importantes del año, y no es para menos con su tremenda actuación en un personaje que sobre todo destaca por lo bien dibujado que está. Sin excesos, sin salidas de tono para aumentar su carga emocional, Dern es simplemente esa persona mayor, algo ida ya y cascarrabias, que tiene la ternura de todas aquellas personas que se acercan a su tramo final, hayan sido más o menos buenos. Y eso está reflejado de manera brillante en la mirada del actor, que te hace reír y te desarma siendo siempre ese personaje tan natural.

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Menos sentido tiene que se haya ignorado más a Will Forte en la temporada de premios, y es que este actor no se queda atrás en ningún sentido. De hecho, gran parte de la película está sujeta en sus hombros. Tal vez si fuera una cara más conocida por el gran público hubiera recibido mayor atención, pero esta magnífico, con esa mirada, ese hijo que quiere a su padre de manera sincera, sin recurrir a triquiñuelas baratas. Y sobre todo, esa química que surge entre ambos, es enorme y eleva aún más la obra. Con menos peso, pero magnífica y divertida, encontramos a June Squibb, consiguiendo una muy merecida nominación como actriz secundaria. El resto del reparto, nada que criticar entre ese plantel de personajes divertidos , ruines o simplemente humanos.

También muy destacable el guión de Bob Nelson, en el que no dudo que haya metido mano Payne a pesar de no estar acreditado. No es solo ese viaje, esa manera de contar las relaciones de la familia ni esas pinceladas perfectas de humor, es esa manera en la que también se acerca al pasado, en la que los personajes, volviendo al lugar donde vivieron los padres de jóvenes, miran a lo que han sido sus vidas. Todo funciona de una manera real y humana, declarando a Payne probablemente como el más sincero cineasta a la hora de contar la realidad acerca de cómo vive la gente corriente los temas familiares y de amistad. Todo esto aderezado con esa música de Mark Orton con un fondo muy folk que sirve de transición entre pasajes. Nos encontramos ante un equilibrio casi perfecto de todo.

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Nebraska es una película que debería y se merece triunfar. Deseo de corazón que el boca a oreja pueda llevar a convertirla en éxito moderado de taquilla, algo posible teniendo en cuenta que a cualquiera que sea padre, o hijo, o simplemente guste de relacionarse con otros seres humanos, debería como mínimo encantarle esta película, en la que Alexander Payne no solo cuenta esta típica historia suya de la mejor manera que sabe, si no que añade un estilo visual más maduro y depurado. Es, sin lugar a duda, su mejor película.

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La venus de las pieles, 2013

Miguel Delgado

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Polanski es uno de los grandes de la historia del cine. Eso es así. Dejando de lado todos sus numerosos problemas personales y legales, se ha fraguando una carrera de quitar el hipo, con un magnífico estilo visual y una impecable dirección de actores, con obras maestras desde Repulsión a El escritor. Por eso, poder disfrutando de un nuevo estreno suyo resulta todo un acontecimiento a tener en cuenta. Parece que en los últimos años ha cogido el gusto a adaptar obras teatrales de manera bastante literal. Si hace unos años pudimos ver su divertida y ácida adaptación de Un dios salvaje, de Yasmina Reza, ahora es el turno de La Venus de las pieles de David Yves, que se ha encargado de la adaptación junto al director. Finalmente llegará a nuestras pantallas tras su paso por el pasado festival de Cannes.

Si en la adaptación de la obra de reza contó con únicamente cuatro actores, Para su nueva película el reparto se reduce a dos, pero que dos. Si hay tres cosas que formen la películas en general son Mathieu Amalric, Emanuelle Seigner, y el guión de Polanski e Yves, que se muestra no solo ágil y de lo más divertido, si no también inteligente, y de una manera de lo más perversa. La forma en la que los diálogos se enredan, mezclan referencias, se contradicen y vuelven a sus sitio es ejemplar. Y ellos dos, Amalric como director de una controvertida obra teatral y Seigner como una exasperante a la par que misteriosa actriz que liará al director en una última prueba para un papel… Qué decir, son magníficos actores (confieso mi debilidad especial por Amarlic), y de manos de Polanski lo dan absolutamente todo, él haciendo de un alter ego del director, que sin duda de haber rodado la película en los 70 hubiese interpretado ese papel. La película puede disfrutarse únicamente por la labor actoral. No quiero ni imaginarme, eso sí, que clase de relación sentimental tienen Seigner y Polanski, viendo los papeles que ella interpreta en películas como esta o la despiadada y brillante Luna de hiel.

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En el plano técnico, una película sin muchos alardes pero con un manejo de la cámara sutil y magnífico. La manera en la que se mueve por ese teatro, sigue a los dos personajes y observa su vivencia resulta más que corriente, no se limita a plantar la cámara como en otras adaptaciones teatrales. En sus últimas películas ha desarrollado un estilo que no es para nada “carca” ni anticuado. Su dirección parece 30 años más joven, haciendo un uso estupendo además de la grabación en digital. El montaje, pues igual de ágil y bien llevado, y la música del gran Alexandre Desplat recorre la película con gracia, aunque en algún momento pueda parecer un poco estruendosa. Al menos en este caso no se ha limitado a un tema principal y final, como en Un dios salvaje. Destacar un juego puramente de éstilo que propone en diversos momentos, que puede parecer simplemente superfluo, pero que es de lo más efectivo y simpático.

Por poner algún pero más genérico, tal vez la película empiece mejor de lo que acaba. Su comienzo empieza a tal nivel, que no puede notarse la sensación de que la cinta puede bajar un poco según se acerca al desenlace, cuando la situación se vuelve más esperpéntica, obra y realidad se funden y todo se torne en un ensoñación (o más bien desatada pesadilla), llegando incluso a una escena final que no sería raro si a alguien le parece excesiva. En todo caso la película nunca deja de funcionar y el espectador nunca desconecta.

Esperemos, eso sí, que el siguiente paso de Polanski se aleje de las obras teatrales, aunque gracias a ella haya entregado dos obras más que notables, con los consiguientes presupuestos más económicos y rodajes veloces que conlleve “filmar” una obra de teatro. Pero hay ganas de algo distinto, aunque no tiene sentido poder dudar de este magnífico director, un autentico genio que regala con cada nueva cinta muestras de maestría cinematográfica.

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Nominaciones a los Fright Meter Awards 2014

Miguel Delgado

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Los Fright Meter Awards son unos premios dedicados al cine de terror, de los que yo soy miembro. Hoy han anunciado las nominaciones. Las cintas participantes deben haber sido estrenadas en USA del 30 de noviembre de 2012 al 30 de noviembre de 2013, por eso hay películas cuyo año de producción es otro. La lista:

BEST HORROR MOVIE
American Mary
The Conjuring
Evil Dead
Maniac
You’re Next

BEST DIRECTOR
Fede Alvarez (Evil Dead)
Chan-wook Park (Stoker)
Jen Soska & Sylvia Soska (American Mary)
James Wan (The Conjuring)
James Wan (Insidious: Chapter 2)

BEST ACTOR IN A LEADING ROLE
Jeffrey Combs (Would You Rather)
Matthew Goode (Stoker)
Patrick Wilson (The Conjuring)
Patrick Wilson (Insidious: Chapter 2)
Elijah Wood (Maniac)

BEST ACTRESS IN A LEADING ROLE
Vera Farmiga (The Conjuring)
Katherine Isabelle (American Mary)
Jane Levy (Evil Dead)
Sharni Vinson (You’re Next)
Mia Wasikowska (Stoker)

BEST ACTOR IN A SUPPORTING ROLE
Rob Corddy (Warm Bodies)
Epy Kusnandar (V/H/S/2)
Ron Livingston (The Conjuring)
Lou Taylor Pucci (Evil Dead)
Rhys Wakefield (The Purge)

BEST ACTRESS IN A SUPPORTING ROLE
Nicole Kidman (Stoker)
Julianne Moore (Carrie)
Isabelle Nelisse (Mama)
Tristan Risk (American Mary)
Lili Taylor (The Conjuring)

BEST ENSEMBLE CAST PERFORMANCE
American Mary
The Conjuring
Evil Dead
Insidious Chapter 2
Stoker

BEST SCREENPLAY
American Mary
The Conjuring
Insidious Chapter 2
John Dies At The End
Stoker

BEST MAKEUP
American Mary
The Conjuring
Evil Dead
Frankenstein’s Army
V/H/S/2

BEST SPECIAL EFFECTS
Carrie
The Conjuring
Evil Dead
Insidious Chapter 2
World War Z

BEST SCORE
The Conjuring
Evil Dead
Insidious Chapter 2
The Lords Of Salem
Maniac

BEST EDITING
The Conjuring
Evil Dead
Maniac
Stoker
V/H/S/2

BEST CINEMATOGRAPHY
The Conjuring
Insidious Chapter 2
The Lords Of Salem
Maniac
Stoker

BEST HORROR SHORT FILM
Baby-Sitting
The Captured Bird
Familiar
Girl At The Door
Seance

Destacar las 13 nominaciones de The Conjuring (Expediente Warren), nominada a todas las categorias, salvo la de cortometraje claro. James Wan también ha rascado también bastante con Insidious: Capítulo 2, incluyendo mejor dirección así de manera doble. Dos nominaciones por ambas películas han conseguido también Patrick Wilson en mejor actor y Joseph Bisara en Banda sonora. Destacar la nominación del español Roque Baños por el remake de Evil Dead, mi favorita en la categoría. Aunque no en todo estoy de acuerdo. No entiendo como Stoker, con un gran número de nominaciones se ha podido quedar fuera de mejor película, siendo nominado incluso su flojo guión (el punto más débil del film, y la categoría que más me ha decepcionado).  Tampoco entiendo como Maniac ha quedado fuera de mejor director, lo mejor del film sin duda. Además, yo había votado a Byzantium, Sightseers y Jug Face en varias categorías, y me da pena que se hayan quedado fuera. Tampoco estoy demasiado de acuerdo con tanta nominación importante para American Mary, algo anodina para mi gusto. Los ganadores serán anunciados el 24 de febrero.

De tal padre, tal hijo, 2013

Miguel Delgado

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Si hace poco reseñaba la estupenda “La vida de Adele”, ahora le llega el turno a la que podriamos considerar que fue la película que quedó segunda en el festival de Cannes de este año, “Like Father, Like Son” de Koreeda. Se estrena el viernes 29 y es una opción de lo más recomendable. Podéis leer mi opinión en el blog La película del día:

http://daysmovie.wordpress.com/2013/11/28/de-tal-padre-tal-hijo-soshite-chichi-ni-naru-like-father-like-son-2013/

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Koreeda y Almodovar, en la presentación de la película en Madrid

http://www.filmaffinity.com/es/film762076.html

DON JON, 2013

Miguel Delgado

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Mañana se estrena Don Jon, la ópera prima de Joseph Gordon-Levitt, que ha sido definida, con bastante acierto, como un versión cómica de “Shame”. Un servidor se lo pasó realmente bien con ella, podéis leer mi reseña entera en el blog “La película del día”.

 

 

 

Podeís leerla aquí: http://daysmovie.wordpress.com/2013/10/30/don-jon-2013/

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http://www.filmaffinity.com/es/film340903.html

GRAND PIANO, 2013

Miguel Delgado

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Es loable que en los últimos años muchas producciones del cine español de los últimos años opten a un perfil diferente de lo que denostadamente se entiende como cine patrio. Actores extranjeras en muchos casos, aunque también se están dando estos filmes en español, con argumentos de género y bastante ambiciosas. ¿Son mejores o peores?, pues depende del filme. Como precursor de esto, Filmax estuvo entregando un buen puñado de basura durante mucho tiempo, pero en los últimos años hemos visto cosas más que decentes, como por ejemplo Buried, de Rodrigo Cortés, una obra maestra en toda regla. El propio Cortés entrego la aún más ambiciosa Luces Rojas, que termino siendo más fallida también, y ahora Grand Piano, está solo en calidad de productor, aunque los resultados son parecidos a la de la cinta estrenada el año pasado.

Grand Piano es un thriller que cuenta la historia de Tom Selznick, el mejor pianista del mundo que lleva cinco años retirado de los escenarios (las razones no están excesivamente bien explicadas), pero decide volver a tocar de nuevo (de nuevo sin clara explicación) en un concierto en el tocará partituras del que fue su maestro. Cuál será su sorpresa al comprobar que hay un francotirador amenazándole a él y su esposa si no toca la melodía de manera perfecta… la trama, dicha tal cual, suena de lo más estimulante. Las primeras reacciones la llenaron de alabanzas, aunque al final la recepción no ha sido tan acalorada. El filme comienza de manera algo titubeante: La llegada de Selznick al aeropuerto y al lugar del concierto, las conversaciones que mantiene… no resulta demasiado estimulante ni termina de enganchar. Tampoco es un desastre, es una correcta introducción a la que le falta algo de gancho.

Entonces Selznick se sienta en el piano y comienza lo mejor de la película, con un nudo inspirado e imaginativo. La trama comienza, esta vez sí, a enganchar e interesar mientras la tensión incrementa. Aquí también tiene lugar uno de los aspectos más destacado del film, el uso de la música incidental como banda sonora tradicional. La partitura tocada por el pianista y la orquesta funciona también para dar tensión a las escenas en las que Selznick se encuentra amenazado, en toda una lección del uso de la música en un película. Si además contamos con una más que inspirada bso a cargo de Victor Reyes. No es que sea todo sea perfecto en esta parte, la verdad es que los personajes de los amigos son demasiado caricaturescos, pero sin duda da un aviso de la gran película que podría haber sido. Eugenio Mira, director de la cinta, se muestra también inspirado, con planos secuencias y un dominio del ritmo magnífico, lo que ha llevado a algunos a ver no solo referencias Hitckonianas en el film, sino también con De Palma.

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Pero llega el final de la obra, el momento de dar explicaciones. Para desgracia en este caso, estas son poco interesantes, insatisfactorias, y tampoco es que se expongan de manera concisa. De pronto todo deja de resultar interesante, y la resolución (que incluye una ridícula escena con la mujer de Selznick cantando) ya esta desmarcada del espectador completamente. Podrían haber optado por algo mucho más intenso y profundo, pero el final resulta la verdad simplón, con alguna pregunta en el aire sin respuesta. Muchos defensores que se quejan de las críticas negativas del filme aluden a que esté no busca el realismo. Dudo mucho que eso sean las quejas que realmente tienen, y si más bien una resolución mucho menos interesante de lo esperado.

Otro punto a favor es el trabajo de Elijah Wood, que realmente se esfuerza en darle un sentido a su papel y a la trama, además de cumplir de sobra en el papel de pianista. Da realmente el pego, lo que es de agradecer. El otro gran nombre del reparto es John Cusack, del que mejor no desvelar mucho, aunque si diré que su participación es bastante anecdótica. El resto del reparto, cumplidor sin demasiadas complicaciones.

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Así pues nos encontramos ante una película imperfecta, que llega a rendir a un gran nivel en su parte intermedia, con un gran uso del ritmo (acierto de montaje también), la música, y la labor de Mira. Es cuando el guión mejor se asiente, aunque pierde casi todo su interés en su parte final, poco interesante e incluso algo rutinaria. Inevitables las comparaciones con Última llamada, con las que comparte claros puntos en común (persona amenazada por francotirador, comunicación constante, desconocimiento de la identidad del amenazador, que actúan de manera parecida, etc…), aunque en líneas generales, aquel film terminaba funcionando mucho mejor. Como hemos dicho es de admirar la creación de este cine en nuestro país, aunque muchas veces los resultados está por debajo de lo esperado.

http://www.filmaffinity.com/es/film165753.html

 

LA VIDA DE ADELE, 2013

Miguel Delgado

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Ganar en Cannes no es cualquier cosa. Vale, con algunas ganadoras de los últimos años ha habido cierto revuelo, sobre todo con cierto tío Boome, pero en general es una muestra de prestigio hacía una cinta de gran calidad. En este año la ganadora también ha gozado de su buena dosis de polémica, no por la calidad de la película en sí (hubo unanimidad en Cannes, aunque en otros lugares como San Sebastián la recepción fue más tibia), si no por un fuego cruzado de declaraciones entre la actriz Lea Seydoux y el director Abdel Kechiche. Indiferente debe ser este hecho para el espectador, que deberá ser capaz de disfrutar de “La vida de Adele” como lo que es, una gran película.

Tres horas son las que transcurren para contarnos la juventud y entrada en la madurez de Adele, usando su relación con Emma como motor. No es una película sencilla o ligera en ningún aspecto, requiere de cierta entrega por parte de un público, que si bien se encuentre despistado, podrá aburrirse. Porque no encontramos en la cinta escenas pequeñas ni rápidas que ayuden a dinamizar la narración, si no con largas, complejas escenas, conversaciones enteras y realistas, no estamos ante una película de un hecho concreto, sino ante la radiografía de una vida que se nos presenta tal cúal. También es una película cruda cuando tiene que serlo, en la manera que tienen de comer, de llorar, de reír… Las tan comentadas escenas de sexo, una de más de 10 minutos de duración que sin duda debe haber batido algún record, están realizadas también de manera lo más realista posible. Sin música, sin artificios, te llega las lagrimas el sudor.

Esto se debe, además de al clínico ojo de Kechiche, al trabajo descomuntal de sus dos actrices. Destaca Adele Exarchopoulos por llevar absolutamente el peso del filme. No hay ninguna escena en la que ella no sea la protagonista, y su trabajo es valiente, arriesgado, luciéndose sobremanera al final de la cinta. No es fácil representar distintas edades y cumplir de manera brillante en todas. Merecidos los elogios . Lea Seydoux, por su parte, no se queda atrás tampoco. Su rol es más secundario, pero no por ello menos entregado con escenas con una grandísima carga dramática en las que cumple a la perfección. Ambas actrices están magnificadas, arropadas por un conjunto de secundarios que cumplen sin tacha ninguna.

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El único pero que se le puede poner a la película, es que su entrada en lo que vendría a ser el tercer acto se resuelve en un giro demasiado brusco, cuesta un par de escenas acostumbrarse, aunque cuando lo hace la película se vuelve mejor, sí es posible y es cuando Exarchopoulos, como ya hemos dicho, da lo mejor de sí. Realista, emocional, dura y hermosa, no extraña que haya recibido tantas alabanzas, y las que le quedan. Hay quien dice que tiene posibilidades en los próximos Oscar. Que alguien como Spielberg la premiara hace que esto no suena del todo descabellado. Por lo menos el trabajo de su reparto debería verse recompensado.

Kechiche ha declarado que podría rodar más capítulos sobre la historia de Adele (en si título original lleva la coletilla de “Capítulos 1&2”, aunque dentro del filme no hay divisiones de ningún tipo), y Exarchopoulos también se ha mostrado dispuesta a esa posibilidad. Esperemos a ver en que queda todo esto, pero un servidor estaría encantado de seguir adelante con esta historia.

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